배 포	2017년 10월 19일(목)	쪽 수	9쪽
문 의	운영문의 : 장은진(한국국제교류재단)	02) 2046-8561
	기획문의 : 김지희(경기도미술관)	031) 481-7039
제 목	상트페테르부르크국립대 한국학 120주년 기념전 《수행의 길: 한국의 단색화》 전시 개막 보도자료
자 료	웹하드 : http://ghard.ggcf.or.kr ID: guest1 PW: 1234
홈페이지	한국국제교류재단 : www.kf.or.kr 경기도미술관 : gmoma.ggcf.kr 에라르타미술관 : www.erarta.com/en

상트페테르부르크국립대 한국학 120주년 기념전

《수행의 길: 한국의 단색화》

■ 전시 포인트

▶ 1897년 러시아 상트페테르부르크국립대에서 세계 최초로 한국어 강좌를 시작한지 120주년이 되는 해를 기념해 “한국의 단색화”전 러시아에서 성황리에 개막

▶ 한국국제교류재단과 경기도미술관이 손잡고 러시아 최대 현대미술관에서 한국현대미술의 정수 선보여

■ 전시개요

《 수행의 길: 한국의 단색화 》
기 간	2017년 10월 13일(금) ~ 2017년 11월 12일(일)
장 소	러시아 상트페테르부르크 소재 에라르타미술관
주최 · 주관	한국국제교류재단, 경기도미술관
후 원	주 상트페테르부르크 총영사관, 상트페테르부르크국립대, 한러대화
전시작품	단색화 16점 (경기도미술관 소장품 10점, 개인소장 작품 6점)
참여작가 (11명)	권영우, 김기린, 김창열, 노상균, 문범, 신성희, 윤형근, 이강소, 이우환, 정창섭, 하종현

러시아 상트페테르부르크 국립대에서 세계 최초로 한국어 강의를 시작한지 120년이 되는 해를 기념해 지난 10월 12일 러시아 최대 현대미술관인 에라르타미술관에서 《수행의 길: 한국의 단색화》전이 성황리에 개최됐다.

한국국제교류재단과 경기도미술관이 공동주최한 이번 전시는 권영우, 김기린, 김창열, 신성희, 윤형근, 이우환, 정창섭, 하종현 등 한국의 단색화를 대표하는 작가들의 작품과 노상균, 문범, 이강소 등의 포스트 단색화 작품들까지 최근 들어 세계적으로 주목받고 있는 ‘한국의 단색화’를 주제로 했다.

1970년대 초, 한국의 현대 미술가들은 회화에 대한 진지한 실험에 천착했다. 그들은 단순히 ‘무엇을, 어떻게 그릴 것인가’라는 전통적인 예술관에서 벗어나 ‘왜 그려야 하는가?’, ‘회화란 무엇인가?’, ‘한국의 정신적 특질을 무엇인가?’ 등과 같은 근원적인 문제들에 대해 묻고 또 물었다. 이러한 과정 중에 진정한 한국 현대미술이 등장하는데, 이것이 바로 ‘단색화’이다.

예술적인 기교나 각색을 최소화하고 사물의 본질만을 표현했던 미니멀리즘과 예술에서 물질적 측면보다 비물질적 측면을 중요시했던 개념미술은 단색화의 태동에 큰 영향을 주었다. 이전의 전통적인 미술은 물질이라는 재료에 기초해 작품의 제작과정이나 창작의 동기가 어떻든, 중요한 것은 최종의 결과물인 ‘작품’이었다. 그러나 개념미술은 기존의 예술에 대한 관념을 부정하고 완성된 작품 자체보다 작품 창작의 아이디어나 제작과정을 예술이라고 생각했다. 이러한 개념미술의 새로운 창작태도, 반 물질적 태도와 더불어 한국의 미술가들이 단색화라는 장르를 개척한 배경에는 동양의 독특한 정신적 전통이 있었다. 동양미술의 특이한 점은 그림으로 수양(修養)을 했다는 점이다. 동양의 옛 선비들은 마치 무예를 연마하거나 도(道)를 닦듯 그림이나 서예를 통해 수양을 쌓았다. 이처럼 한국의 단색파(Dansaekpa) 작가들에게 ‘회화’는 단순히 질료로 환원하는 예술적 행위를 넘어선 동시에 정신적, 개념적 실험이었고 수행(修行)이었다.

한국의 단색화는 미니멀리즘의 물질적 차원과 개념미술의 정신적 차원, 그리고 동양의 수행(修行)적 문화가 결합되어 탄생한 한국의 현대 미술사조인 것이다. 단색화는 단순한 기술적 차원을 넘어선 예술이었고 철학이었다. 《수행의 길: 한국의 단색화》전에 전시된 단색화 작품에는 동양적이고 민족적인 원형을 바탕으로 한국적 현대미술을 정립하려는 한국 현대미술 선구자들의 고민과 수행이 담겨있다.

한국국제교류재단 윤금진 교류이사는 이번 전시를 통해 상트페테르부르크국립대 한국학 교육 120주년을 맞는 뜻깊은 계기에 이번 전시를 개최하게 되어 기쁘게 생각한다고 하며, 이번 전시를 통해 앞으로 더 활발한 문화예술분야의 교류가 이어지는 한러 관계가 되기를 기대한다고 전했다.

경기도미술관 최은주 관장은 전시에 참여한 11명의 작가들은 40년 이상 한국적 색과 정신, 그리고 삶이라는 주제를 통해 세상과 소통을 해왔으며, 이번 전시가 러시아에 한국의 대표 작품을 소개하고 참여작가들이 걸어온 세월을 보여주는 소중한 시간이 될 것이라고 말했다.

이날 개막식에는 상트페테르부르크국립대 교수 및 학생들과 에라르타미술관 연간회원, 상트페테르부르크 주재 외교 사절 등 150여명의 관람객들이 참석해 자리를 빛내주었으며, 한국의 현대미술 작품에 대한 러시아인들의 뜨거운 관심을 엿볼 수 있었다. 전시는 11월 12일까지 한 달 간 진행된다.

■ 관람정보

▶ 관람시간 : 오전 10시 – 오후 10시

▶ 휴 관 일 : 매주 화요일

▶ 관 람 료 : 성인 500루블(한화 약 1만원), 학생 350루블(한화 약 7천원)

■ 개막식 사진자료

한국국제교류재단 윤금진 교류이사 환영사	세르게이 안드류쉰 상트페테르부르크국립대 국제관계 부총장 축사
경기도미술관 최은주 관장 환영사	개막식 전경
개막식 전경	개막식 전경
개막식 전경	개막식 전경

■ 주요작품 이미지

권영우 | 무제 | 1985 | 한지에 과슈 | 162.5×130cm | 개인소장

	권영우는 한국의 전통적인 매체인 ‘한지(Korean Paper, 韓紙)’의 물질성과 조형성을 끊임없이 탐구한 작가이다. 우연히 겹쳐 발라진 화선지(한지)들이 자아내는 미묘한 분위기에 이끌려 한지로 작업을 하기 시작한 작가는 종이에 그림을 그리는 기본적인 행위 대신 손톱이나 도구를 이용해 종이를 자르고, 붙이고, 찢고, 뚫는 행위 등을 통해서 한지의 섬세한 재질을 강조하며 입체감을 드러낸다. <무제> 연작은 1980년대에 제작된 채색 작업인데, 겹쳐 바른 한지 위에 찢겨지고 잘린 틈으로 서양의 과슈, 또는 동양의 먹이 자연스럽게 스며들어 나타나는 우연적 현상을 통해 한지의 재료적 물질성을 극대화한다.

김기린 | 안과 밖 | 1980 | 캔버스에 유채 | 195×130cm | 경기도미술관 소장

	프랑스 파리에 거주하며 작품 활동을 하고 있는 김기린은 한국 단색화의 리더라 할 수 있는 대표적인 작가다. (작가의) 대학시절, 예술을 향유의 대상이 아니라 철학적 사유의 대상으로 인식한 러시아의 절대주의 추상화가 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)에 빠졌던 작가는 궁극적으로 ‘본다’는 행위 자체를 시각언어로 형상화한다. 화려한 원색의 단색으로 채워진 화면에 반복적으로 나열된 점으로 이루어진 <안과 밖> 시리즈는 관객들로 하여금 내부와 외부의 상호관계를 인식할 수 있도록 ‘보이지 않는 것(안)’과 ‘보이는 것(밖)’에 대해 이야기 한다.

김창열 | 회귀 LA89004-89 | 1989 | 캔버스에 유채 | 230×182cm | 경기도미술관 소장

	‘물방울 화가’로 알려진 김창열은 한국을 대표하는 작가로 그이 ‘물방울 미학’은 세계적으로도 예술성과 대중성을 모두 인정받았다. 극사실주의적 필치로 그려내는 작가의 초기 작업은 응집력이 강한 물방울에서 표면장력이 느슨해져 바탕에 스며들기 직전의 물방울에 이르기까지 다양하게 이어진다. 그 후 1986년을 전후로 해서 순수하게 물방울만 드러났던 전반기와 물방울의 바닥에 천자문을 쓴 후반기로 나눌 수 있다. 그의 작품은 독창적인 발상과 완벽성이 요구되는 회화기법을 통하여 물방울이란 매체로 우리에게 영원한 명상의 기회를 주고 있다.

신성희 | 회화-77 | 1977 | 마대에 유채 | 123×194cm | 경기도미술관 소장

	프랑스 파리를 근거지로 작품활동을 해왔던 신성희는 채색한 캔버스를 잘라서 엮는 일명 ‘누아주(Nouage)’라는 독자적인 양식으로 새로운 평면회화를 개척한 작가이다. <회화-77>은 그의 작품이 3차원의 입체적인 회화로 발전하기 전의 초기 실험적인 작품으로, 1970년대 한국 화단을 주도하던 단색화의 영향 속에서 극사실주의적 마대 페인팅으로 시대의 흐름에 합류하면서도 독자적인 예술세계를 구축하였다. 평면 마대 위에 마대를 극사실적으로 묘사해 바탕과 그림을 동일시하면서 실상과 허상을 대비시키며 회화의 본질에 다가가고자 했다.

윤형근 | 번트 엄버 & 울트라마린 | 1978 | 린넨에 유채 | 270×140cm | 경기도미술관 소장 | ⓒ Yun Seong-ryeol

	윤형근은 한국 단색화의 대표적인 작가이다. 그는 거칠고 투박한 1970년대 초반까지의 실험기를 거쳐 1973년 전후로 암갈색과 군청색 두 가지의 물감과 마포 캔버스의 만남이라는 단순한 형식을 지닌 ‘다청(茶靑, Burnt Umber & Ultramarine)회화’를 선보였다. 동양의 수묵화와 같은 조형성을 보여주는 이 연작은 바탕을 칠하지 않은 캔버스 위에 농담을 달리한 물감으로 반복해서 그어놓은 선들이 겹쳐지듯 번지며 묘한 분위기를 연출한다. 1993년 이후로 가면 번짐 효과를 최소화하고 검정색의 순도를 더욱 높여 더욱 단순화시켰다. 단순하게 정형화된 그의 회화는 적막 속에 화면 외부의 공간까지도 흡수하는 힘 이 있고, 감각적인 것과 표현적인 것으로부터의 탈피, 평면과 공간, 색면과 여백의 어우러짐을 보여준다.

이우환 | 선으로부터 No. 790185 | 1979 | 캔버스에 유채 | 91×116.8cm | 개인소장

	한국을 대표하는 세계적인 작가 이우환은 사물에 존재감을 부여하고 사물과 인간의 관계를 강조하는 전위적인 예술운동인 ‘모노하(物派)’의 이론과 실천을 주도하며 한국과 일본, 유럽 등지에서 독창적인 작품세계를 펼쳐왔다. 1970년대 연작 <점으로부터>, <선으로부터> 등에서 작가는 물질감이 없어져 여백과의 경계가 불분명해질 때까지 반복적으로 점을 찍거나 선을 긋는다. 마치 수행처럼 느껴지는 이러한 반복행위는 우주의 만물의 생성과 소멸의 원리를 내며 그린 것과 그리지 않은 것(여백), 비움과 채움, 존재와 비존재의 관계 맺기를 시도한다.

정창섭 | 닥 No. 84100 | 1984 | 면천에 닥 | 140×240cm | 경기도미술관 소장

	정창섭은 한국 현대미술 1세대 작가로, 1970년대 중반 한지와의 운명적인 만남을 계기로 유화 작업을 그만두고, 1980년대 초반부터는 종이의 원료인 닥(Tak, 楮)을 주재료로 다룬 <닥> 연작을 시작했다. 작가는 닥종이를 물에 담가 손으로 비벼 원하는 농도를 만든 후 캔버스 위에 고르게 펴고 두들기고 매만진다. 닥종이가 마르면서 중첩되고 응결되어 생기는 자연스러운 주름을 그대로살려 평범했던 화면에 파문을 만들고 미묘한 명암효과를 연출한다. 1990년대 이후에는 <묵고> 연작에서는 화면 중앙은 텅 빈 공간으로 남기고 가장자리에만 닥종이의 질감을 살려 동양의 여백의 미와 명상의 기운을 가득 담았다. 그는 일련의 작업을 통해 물감의 인위성보다는 시간의 흔적과 자연의 변화를 은유적으로 드러낸다.

하종현 | 접합-8 | 1982 | 마포천에 유채 | 220×360cm | 경기도미술관 소장

	하종현의 작품세계는 간단한 형태와 자연스러운 색채로 인해 단순하고도 명쾌하다. 절제된 색은 자연이 품고 있는 대지의 색이며, 이것은 무엇 하나 강조하는 것 없이 중성적이다. 일찍이 1972년 도쿄의 긴화랑(Gin Gallery)에서 첫 개인전을 가진 이후 독자적으로 한국 모노크롬의 전형을 개척해온 작가는 '접합(Conjunction)'이라는 하나의 명제에 집중해왔다. <Conjunction-8>은 그의 전형적인 작품 중 하나로, 캔버스 위에 붓으로 형상을 그려내는 대신 마포의 물성을 최대한 살려 마포천의 뒷면에 물감을 두텁게 발라 천의 앞으로 밀어내 유화 물감이 앞으로 배어 나오게 한 다음 마포 사이로 빠져나온 물감을 도구 또는 손으로 밀어내 형상을 갖게 한 것이다. 이러한 일련의 과정을 통해 제작된 작품은 화면이라는 것이 그림이 드러나는 면일 뿐만 아니라 하나의 물질이라는 사실을 동시에 알려준다.

문범 | 천천히, 같이 #21015 | 2003 | 캔버스에 아크릴 채색, 오일스틱 | 259×194cm | 경기도미술관 소장

	한국의 후기 단색파(Dansaekpa) 작가로 분류되는 문범의 작품들은 오일스틱을 손가락으로 펴발라 독특한 형상과 색채의 농담을 만들어 마치 한 폭의 동양의 수묵화를 연상케 한다. 그의 대표적 연작인 <천천히, 같이>는 어떤 특정한 형상을 염두에 두지 않고 화폭과 재료, 손가락이라고 하는 가장 원초적인 표현의 도구가 서로 어우러져 자발적으로 생성하는 이미지를 화면에 담는다. 빠르게 돌아가는 문명시대의 속도와 변화 속에서 다시 생각해보아야 할 느림(slowness)과 한결같음(sameness)의 미학을 보여준다고 할 수 있다.

노상균 | 구멍을 향한 전체 | 1999 | 캔버스에 시퀸 | 218×218cm | 경기도미술관 소장

	노상균은 시퀸(Sequins)이라는 장식용 재료를 캔버스에 붙여 그것의 각도와 빛의 방향에 따라 다양하게 변화하는 일루전을 보여주면서 재현의 본질을 탐구해왔다. 작은 플라스틱 원들을 엄청난 인내를 요구하는 느림의 반복적인 행위를 통해 작품을 구현해내면서, 명상적이고 사유적인 시간과 공간을 역설적으로 물질로 재조명해내고 있는 것이다. <구멍을 향한 전체>는 평면에 조그맣게 구멍처럼 남겨진 화면의 중심을 제외하고 핑크색의 작은 동심원의 시퀸들이 전체를 뒤덮고 있는 작품으로, 마치 전체(Whole)가 구멍(Hole)으로 빨려 들어가는 듯한 착시현상을 일으킨다. 이러한 과정을 통해 작가는 통속적이고 즉물적이며 빠르게 변화하는 것을 미덕으로 삼는 현대사회를 비판적 시각으로 바라보고, 하나의 전체인 거대한 우주로 향해 있는 정신의 메타포를 담아내고 있다.

이강소 | 섬으로부터 | 2005 | 캔버스에 유채 | 162×130cm | 경기도미술관 소장

	이강소는 1960~70년대 한국의 전위미술을 주도하며 회화, 판화, 비디오, 퍼포먼스, 환경적 설치, 사진, 도예 등 다양한 매개체를 통해 실험적인 작품 활동을 해온 작가이다. 그는 모노크롬 회화 운동에서도 활발한 활동을 하였는데, 그의 <섬으로부터> 연작은 흰 바탕에 청회색의 빠르고 거친 붓의 흔적을 보여주는 작품으로, 감정을 자제한 즉각적인 제스처의 표현이다. 그의 회화에 자주 등장하는 오리, 배, 사슴 등의 형상은 작가의 의도가 아니라 작가가 적극적 사고를 배제한 채 손의 감각과 호흡을 따라 그린 추상적인 붓질일 따름이다. 그는 복잡한 세계의 틀에 박힌 관념이 아닌 자연스러운 삶의 본질을 표현하고자 한다.